Jane Bainter: Musa A Su Pesar

23 de Agosto de 1988: ese día es editado en todo el mundo “Nothing´s Shocking”, uno de los LP´s más definitivos de la Historia del Rock And Roll para el que suscribe.

Estando en una pequeña tienda de discos cerca de la Plaza Real de Cartagena (no recuerdo ya el nombre de la tienda…puede ser Discos Selección?), mi colega el Parra y yo descubrimos aquel disco. Le pedimos al tío que pusiera un corte, y aquello nos sonaba muy raro. No me extraña, pues es uno de esos discos que inventan un sonido no mostrado por nadie hasta ese momento. El caso es que el Parra tenía la pasta, así que decidió comprarlo, más motivado por las pintas del grupo que por el sonido, pues necesitaríamos un par de escuchas más para poder llegar a decir que aquello era dinamita pura.

Desde el primer momento con la intro de “Up The Beach”, te das cuenta de que esto es algo diferente (desde la producción de Dave Jerden hasta la últma de las composiciones). Después “Ocean Size”, “Had A Day”, “Ted, Just Admit It”, “Standing In The Shower…Thinking” es un punto de inflexión dentro del disco, pues recupera las ganas de brincar y volverte loco. Porque una de las cosas que me transmite este disco es energía desenfrenada a través de algunas de sus canciones. Me veo pegando gritos desde lo alto de una montaña, me veo en medio del mar de noche, y me veo tanto en la intimidad de mi casa, como con millones de personas saltando y gritando por las calles. “Summertime Rolls” empieza con esa línea de bajo que saca a relucir el característico sonido de Eric Avery.

Luego aparece la hipnótica “Mountain Song” (primer single), de la que dicen que es la primera canción que compone la banda. “Idiots Rule” es sencillamente sorprendente, y es de esas canciones que escuchándolas a día de hoy sigues sin ser capaz de enmarcarla en el año en que se grabó…suena tan fantásticamente como cuando apareció!…y es que ese es uno de los grandes méritos de este álbum; que la obra grabada por Perry Farrell (uno de los cantantes más originales y locos que ha tenido la música), Dave Navarro (quién te ha visto y quién te ve, amigo) el antes citado Eric Avery y el excelente batería Stephen Perkins suena tan actual como en el momento de su aparición, pese a que se trataba de un sonido muy moderno para su momento. De hecho, pienso que tanto Jane´s Addiction como Red Hot Chilli Peppers, Fishbone y quizá también Living Colour y alguno más que se me escape, inventaron algo muy gordo cuando se les ocurrió mezclar esas bases más o menos funkies con metal y con un toque muy personal de cada uno de esos grupos, que los hacía muy diferentes entre ellos…seguramente le deben mucho a Funkadelic y a George Clinton. Particularmente, siempre me quedaré con los Jane´s Addiction.

La gira de “Nothing’s Shocking” les llevaría por USA con Iggy Pop y con The Ramones…no puedo ni imaginar lo que tuvo que ser presenciar alguno de aquellos shows!!!

Recuerdo que cuando íbamos al instituto hicieron su primera gira por este país. El concierto era en Barcelona, y nunca logramos conseguir el coche para escaparnos a verlos. Las crónicas que leímos posteriormente hablaban del mejor directo del momento. Energía a raudales, música original y apoteósica, apología del anarquismo e incitación a la revuelta eran algunas de las consignas lanzadas desde el escenario, según aquellas crónicas, que viniendo de unos americanos era toda una sorpresa.

Hace unos años conocí a Gabriel y me contó las excelencias de la actuación en Madrid de aquella gira. Él me decía que los había descubierto con el también majestuoso “Ritual De Lo Habitual“, viendo el vídeo de “Stop“, que les abriría las puertas a nivel internacional, en aquel programa de TV llamado “Metrópolis“…y me decía que el concierto en la Universal de Leganés había sido algo histórico. Es un verdadero lujo ver a una banda en directo en su mejor momento. En la gira de su mejor disco, en los años de mayor esplendor. Es cierto que luego puedes disfrutarlos mucho, pero en grupos como este cuyos años de estar en la cima son tan claros, no hay color en disfrutarlos en sus mejores tiempos que hacerlo en otro momento. Otros grupos con una carrera más uniforme y, generalmente, más longeva, no tienen ese problema. No es el caso de Jane´s Addiction, cuyos retornos tras la primera separación les ha sentado más mal que bien.

No obstante intenté encontrarme con ellos en directo de nuevo y, precisamente, tras sacar aquel disco (“Strays”, al que nunca le he encontrado el punto) tampoco pude verlos, pues se suspendió su actuación en Madrid. Recuerdo que nos quedamos en las puertas de la Sala Riviera con dos palmos de narices leyendo una y otra vez el cartel que explicaba brevemente que por problemas de voz de Farrell no habría actuación esa noche. Venían de tocar en Barcelona y al otro día tocarían en una recepción para los príncipes de Mónaco o algo así…algo realmente poco rockero y que nos dejó un sabor de boca aún peor. ¿Dónde había quedado el mensaje revolucionario de sus años de esplendor? Quién sabe.

Como decía, después de “Nothing´s Shocking” apareció el maravilloso “Ritual de lo Habitual” (su obra más reconocida, pero yo siempre me quedaré con “Nothing´s Shocking”). Buena parte de la gira de aquel disco consistía en ser cabezas de cartel del primer Lollapalooza (festival alternativo que fundó Perry Farrel junto al ejecutivo musical Marc Geiger). Dicen que aquella época casi acaba con el grupo por el tema de la heroina y demás adicciones, pero lograron sobrevivir a más de un año de gira, pese a las peleas y a que se empezaba a vislumbrar la ruptura.

Después llegarían los retornos, nuevas rupturas y más retornos. Una banda cuya inestabilidad es uno de sus sellos de identidad.

Jane Bainter era compañera de piso de Farrell cuando aún no eran nadie a nivel musical. Ella inspiró el nombre la banda y la canción “Jane Says“…una de las piezas más increíbles que he escuchado jamás…seguramente ella no sería consciente hasta muchos años después de lo importante que había sido en la historia del grupo.

Recuerdo que hace unos años leí una entrevista en la que, en efecto, reflejaba su asombro por todo lo sucedido durante aquellos años, en los que fue protagonista involuntaria de esta historia…nunca te estaremos lo suficientemente agradecidos, Jane.

Wendy: La Reina del Shock Rock

“El acto de quitarme la vida no es algo que decida hacer a la ligera. No creo que nadie se quite la vida sin antes haberlo reflexionado profundamente durante un largo periodo de tiempo. De todas formas, estoy convencida que el derecho a poder hacerlo es uno de los derechos fundamentales que alguien puede llegar a tener en una sociedad libre. Pienso que la mayoría de lo que hace el mundo no tiene ningún sentido, pero el sentimiento con respecto a lo que estoy haciendo suena alto y claro en el interior del oído, en un lugar en el que no hay nadie, sólo la calma. Amor eterno, Wendy.”



Con esta nota se despedía probablemente la mujer más peligrosa y excesiva de la historia del Rock And Roll. Wendy Orlean Williams ya se había retirado de los escenarios hacía unos años, y dedicaba su tiempo a la recuperación de animales, quizá ya harta de los medios, de las denuncias, de la gente…es cierto que durante los años que desarrolló su carrera en solitario sus escándalos fueron disminuyendo de intensidad, pero eso no le quitó jamás un ápice de fuerza y carisma. De todas formas, no puedo disimular que prefiero mucho más su época de líder de The Plasmatics que su aventura “heavy metalera” posterior.

Y todo gracias a “Coup d´Etat” (1982), que pasa por ser uno de los álbumes definitivos del género punk, y obra cumbre del grupo. Tanto la calidad como la influencia de este disco en infinidad de bandas, artistas, movimientos (Riot Grrrl) y gentes anónimas (hombres y mujeres) no tiene parangón.

Y es que en “Coup d´Etat” todo es perfecto. Las composiciones, la producción (Dieter Dierks, conocido productor alemán que ha trabajado especialmente con Scorpions, pero también con Rory Gallagher o con Twisted Sister, por nombrar a algunos), la fuerza descomunal que emana y, quizá, el hecho de ser el eslabón perdido, donde se mezcla por primera vez, y de manera totalmente solvente, punk y metal.


Pero lo más importante de “Coup d´Etat” es Wendy, lo mires por donde lo mires. Ese comienzo absolutamente brutal con “Put Your Love In Me”, es ya historia de la música. “Stop”, la versión “No Class” de Motörhead, “Mistress Of Taboo”, “Country Fairs” o el imprescindible “The Damned”. Mi favorita, no obstante, siempre sera “Rock And Roll”, la cual canturreo habitualmente desde que la descubrí hace décadas. Es una canción que jamás se me va de la cabeza. Las guitarras de Richie Stotts nunca serán lo suficientemente valoradas (quizá su crestuda imagen hacen pensar que se trata de un manazas a las 6 cuerdas), pero es cierto que en este álbum son muy competentes por el sonido tan especial que consigue sacarles. Imagino que Dieter también tuvo que ver lo suyo con este hecho.

 
Yo descubrí este disco gracias a mi amigo Fernando, con el que me fui introduciendo poco a poco en un universo rockero que aún sigo explorando con avidez. Debía tener unos 13 o 14 años cuando me grabó la cinta. Él tenía (y seguro que sigue teniendo) la versión en vinilo, descatalogada hace muchos años, y que nunca he llegado a encontrar, para mi desgracia. Pueden imaginar el impacto que aquella imagen y aquel sonido produjo en mí. Eran otro tiempos, e Internet no era ni un sueño para nadie, y la manera que teníamos para conseguir información sobre las bandas que nos interesaban era “artesanal”, así que nos llegaba información solamente por las revistas, algún programa de radio, fanzines y el boca a boca.

Pero conocíamos bien el fenómeno Wendy, pese a pertenecer al mundo underground. Sabíamos que en sus comienzos había sido stripper, y que muy joven había emigrado de USA a Inglaterra, aunque terminó regresando a su país. También sabíamos de su amor por las sierras mecánicas encima del escenario, y de sus numeritos destructivos sobre las tablas (vehículos, electrodomésticos y otros chismes no se salvaban de sus performances). Pero siempre tuve claro que todo esto era secundario.

Lo importante era su manera de cantar, su tremendo carisma y la fuerza brutal y la rabia que irradiaba en escena.

Siendo ya la imagen y la voz de The Plasmatics, el apadrinamiento primero de Lemmy de Motörhead (el cuál le sigue dedicando “No Class” en directo) y después de Gene Simmons (Kiss) la catapultó tímidamente a los mass-media, aunque nunca coparía las listas de éxitos, por descontado, pero sí que aparecía con cierta regularidad en publicaciones de Rock.

También hizo algunos pinitos en el cine y hay también alguna aparición en series de TV (la absolutamente prescindible McGyver, por ejemplo).

Detenciones por hostiar policías, denuncias por exhibicionismo, escándalos por la violencia en sus actuaciones, prohibiciones de tocar en algunos países (UK), performance donde ponía su integridad física en verdadero peligro,…azote de hipócritas, moralistas y machistas…nada ni nadie podía detener a esa fuerza de la naturaleza.


Especie única y adelantada a su tiempo la Williams, que rompió barreras cada día de su vida y que decidió en 1998 que esa vez sí, que era el momento de su extinción a los 48 años alojando una bala en su cabeza. Antes había tenido otros intentos de suicidio en 1993 (con un chuchillo) y en 1997 con efedrina. Aquel 6 de abril de 1998, Rod Swenson, fundador de The Plasmatics y su pareja durante más de 20 años, regresó de compras a la zona boscosa donde los dos habían vivido desde que se mudó a Connecticut desde Nueva York. Él encontró un paquete que Wendy le había dejado con comida, semillas, bálsamo y unas cartas de despedida. Rod corrió al bosque a buscarla, y tras una hora de andar, encontró su cuerpo en un lugar que ella frecuentaba porque allí daba de comer a los animales. Su cuerpo no tenía ya pulso, y una pistola yacía a su lado.

Rod Swenson declaró que la decisión de Wendy no era producto de un momento de desesperación, sino el final de un intento continuo de acabar con su propia vida desde hacía varios años.

Tanto su increíble poder sobre el escenario como su triste final estarán siempre en la mente de algunos de nosotros.

Space Ace: El Enviado De Jendell

Mi admiración e interés por Paul Daniel Frehley (bastante más conocido como Ace Frehley o como “Space Ace”) nace cuando descubro a mediados de los 80´s a Kiss en el programa de televisión “3, 2, 1 Contacto”. Recuerdo que el reportaje era sobre el técnico de luces de la banda y creo recordar que el tema que tocaban mientras hablaba el tipo era “Rockin´ In The USA”, aunque este detalle lo descubriría años más tarde y no estoy al 100 % seguro.

Ace siempre ha sido un músico único y original, y quizá por ello se convirtió en mi guitarrista favorito. Porque no es el más técnico ni siquiera, para la gran mayoría, el que transmite más “feeling”, pero para mí siempre tuvo un sonido y una actitud diferente al resto, y eso lo hacía especial.

Su persona, de hecho, ya es extraña. Ese cruce entre asiático e indio americano le hacían ser un poco el raro de la clase. Si a esto añadimos su fantasía desbordante (en la segunda audición con Kiss ya les habla a Paul, Peter y Gene del planeta Jendell...y pese a todo le contratan…) y su especial facilidad para meterse en líos pandilleros durante su juventud en el Bronx, podemos hacernos una idea del tipo de personaje de que se trata.

Respecto a influencias; él mismo reconoce que fue viendo sobre un escenario a Pete Townshend cuando decide dedicarse profesionalmente a la guitarra y abandonar el universo pandillero. Cream, Zeppelin y Hendrix son sus otras influencias principales. Pero el sonido que desarrolla durante la primera década de Kiss se aleja de esos patrones.

Sus comienzos con Kiss no fueron fáciles. Pero no tanto por su competencia como músico, de lo que iba sobrado, sino por los problemas que le suponía meterse en la piel de su personaje en el grupo. Tenía problemas con las reacciones alérgicas de su piel al maquillaje, también problemas para que le quedase bien debido a las huellas de un acné feroz y a las cicatrices que, dicen, le dejó un botellazo en su cara durante una actuación en la calle cuando era un adolescente. También le costó mucho acostumbrarse a las botas gigantes que debía llevar en escena, pues le hacían perder el equilibrio y la concentración para tocar la guitarra, que era su principal cometido. Porque pese a aceptar el concepto de banda que era Kiss desde el primer momento, para él lo primordial era la música, y no el espectáculo. Cosa que chocaba frontalmente con la idea de Paul Stanley y Gene Simmons, los cuáles consideraban al mismo nivel una cosa y la otra.

Probablemente ese fue el origen de la gran frustración de Ace. La gente miraba su maquillaje, su espectacular aspecto, las luces, la pose…pero no admiraban lo suficiente al músico; esa faceta quedaba en segundo plano.

Dicen que de ahí vienen sus problemas con el alcohol que, a la larga, parecen ser el factor determinante para el abandono de la banda. Y hago un lapsus para señalar que es increíble el número de vídeos que hay en YouTube de Ace borracho. Naturalmente no voy a poner ninguno aquí, porque no me gusta verlo en ese estado, pero me pregunto quién tiene tanto interés en mostrarnos esa faceta problemática de Ace. No lo entiendo.

Otro aspecto que siempre me gustó es la conexión Peter Criss – Ace Frehley. Es curioso como los dos miembros más en la sombra y más inestables emocionalmente de Kiss (mis favoritos de todas las épocas) se convierten en apoyo mutuo frente a las desbordantes personalidades de Stanley y Simmons.

En lo musical, Ace va componiendo progresivamente cada vez más temas para Kiss. Si en el primer disco (1974) mete “Cold Gin” (tema que no cantará), en “Hotter Than Hell” ya incluyen dos (“Parasite” y “Strage Days”, que tampoco se atreve a cantar aún). Durante la grabación de éste disco tiene un accidente de coche (el primero de varios, y parece que siempre relacionados con el consumo de alcohol), que le estropea más aún la cara. Más tarde tiene otro accidente, éste en el escenario, donde casi muere electrocutado. Éste hecho provoca dos cosas: que Kiss son de los pioneros en utilizar guitarras inalámbricas para evitar accidentes, y que Ace compone, tiempo después, “Shock Me” y que, por fin, podríamos escucharlo cantar en el álbum “Love Gun”.

En 1978 llegan los álbumes en solitario que lanza cada uno de los miembros de la banda. Bajo mi punto de vista, éste es el momento de Ace. Peter Criss saca al Julio Iglesias que lleva dentro, y hace un disco bastante mediocre donde explota al máximo los medios tiempos y el rollo balada, aprovechando en demasía el éxito y el estatus como intérprete que le habían dado “Beth” y “Hard Luck Woman”. Gene Simmons hace un disco realmente indigno para un tipo que ha compuesto algunos auténticos temazos. Su disputa de egos con Paul Stanley la pierde, pues éste firma un disco bastante más convincente. Pero el que se lleva el gato al agua es Ace. Su disco es soberbio, a la altura de los clásicos de la banda. Ace pone toda la carne en el asador y se luce en su trabajo. De hecho, alguna de las canciones que escribe para ese disco pasa al setlist de Kiss. El álbum empieza con las magníficas “Rip It Out” y “Speedin´ Back To My Baby”, y no podemos dejar de nombrar “What´s On Your Mind?”, “Wiped-Out” y, sobresaliendo, “New York Groove”. El Hombre del Espacio barre al gato, al demonio y a “Starchild”.

 Tras la gira de “Dynasty” (1979), Peter deja la banda (aunque por motivos promocionales aparecería en el vídeo “Shandy” del siguiente álbum: “Unmasked”) con graves problemas personales (drogas, divorcio…). Éste hecho seguramente afectó mucho a Ace, pues era el único amigo real que tenía en el grupo. Además, a partir de ese momento las decisiones las tomarían Paul y Gene que hacían frente común y contra los que no tenía nada que hacer un Ace en constante desventaja numérica. Todo esto hace que nuestro amigo decida encerrarse en casa, negarse a salir de gira e incrementar su consumo de alcohol. El final de su relación con Kiss está muy cerca.

Varios accidentes de coche, entradas y salidas de clínicas de desintoxicación…todo un conglomerado de incidentes que hacen que se vea obligado a firmar un contrato con sus compañeros por el que se comprometía a cumplir con las giras y con las promociones hasta 1984. Pero no aguantó. Ace no respetó siempre ese contrato y ni siquiera grabó ninguna guitarra de los discos “Kiss Killers” y “Creatures Of The night”, pese a aparecer en sus respectivas portadas.  Su inestabilidad emocional, sus problemas con el alcohol y el hecho de que quería estar con su mujer e hija y no salir de gira, le fueron separando del universo Kiss, hasta que en Noviembre de 1982 abandona definitivamente la banda.

Más accidentes, mayor bajada a los infiernos y, por fin, la puesta en marcha de su proyecto en solitario, los Frehley´s Comet. Pero este tema ya no lo vamos a tocar. Prefiero dar paso a relatarles brevemente cómo fue la única ocasión que pude ver a Ace sobre un escenario.
En 1996 los cuatro miembros originales de Kiss toman la decisión de reunirse y hacer una gran gira a nivel mundial, lo que supone una oportunidad asombrosa para varias generaciones de fans que nunca pudimos verlos.

El concierto de Kiss en Madrid estaba anunciado (y es lo que pone en la entrada que conservo) para el 28 de Noviembre de 1996. Una inoportuna huelga de camioneros en Francia hace que el convoy de la banda no pueda atravesar la frontera, y tendremos que esperar hasta el miércoles 25 de Junio del siguiente año para poder ver a la formación original de Kiss en un acontecimiento único e irrepetible.
Recuerdo que salimos en coche desde Cartagena el mismo día, llegamos a Madrid, tomamos un par de cervezas, vimo el concierto, tomamos un par de cervezas más y nos volvimos a Cartagena en estado de shock.


Me siento incapaz de transmitir las emociones que sentí durante aquel espectáculo.  Recuerdo que nos pilló cerca de Gene Simmons durante la mayor parte del concierto, algo por lo que la mayoría de gente que asistimos habría dado un brazo, pero yo quería ver a Ace principalmente. Y fue durante el apoteósico "Let Me Go Rock And Roll", tema donde Ace siempre brilla de manera especial, cuando Ace se movió más y cambió durante buena parte de la canción su posición con Gene, acercándose a nuestra posición.

Aquello era un sueño hecho realidad.

Después de aquella mágica gira Peter y Ace abandonarían de nuevo el grupo y Gene y Paul decidieron contratar a dos mercenarios para que tomasen los personajes del Gato y del Hombre del Espacio. Ya ni siquiera se molestaron en diseñar nuevos personajes como había sucedido en otras etapas de la banda.

Mandaba el dólar y esa fue su triste decisión.

Ésta es la historia resumida de una verdadera estrella que nunca ha parecido ser feliz con lo que ha conseguido y que, pese a todo, nos sigue encandilando a muchos miles de personas. Hay otras estrellas estrelladas, pero son de este planeta.

Tuve oportunidad de ver de nuevo a Kiss con la actual formación en la edición de un festival, pero no tuve el valor de terminar de ver la actuación...seguramente porque fui capaz de descrifrar a tiempo aquel mensaje que venía del planeta Jendell, donde me decía que mejor ir a tomar una cerveza a algún bar del centro a la salud de Ace y de su legado, que ver aquella estúpida parodia.

---
Entrada publicada en Dedos Torpes (http://dedostorpes.com/?p=1003) el 5/6/2013. 

Dónde He Estado Este Tiempo...?

Buenas!

Retomo "Las Crónicas De Hank" con el material que he ido escribiendo estos mese en el blog "Dedos Torpes"

Iré publicando en "Dedos Torpes" una entrada semanal y, paralelamente, las iré editanto para "Las Crónicas De Hank" también semanalmente, pero serán entradas que ya fueron publicas en "Dedos Torpes" unas semanas antes.

De esta manera espero seguir teniendo en activo el blog, aunque si se quiere estar "más al día" deberían visitar: http://dedostorpes.com/

Insisto: todo lo que publique allí irá llegando aquí también, pero con cierto retraso.

Gracias a todo el mundo.


A MODO DE PRESENTACIÓN

Yo vivía en un blog llamado “Las Crónicas De Hank”, donde solía escribir sobre temas que me interesan, aunque casi siempre terminaba hablando de música. No pecaría de arrogante si apunto que se contaban por millones los seguidores del dichoso blog.

Esto me aportó fama, dinero, fans y ego, pero no era del todo feliz.

Seguramente esa sea la razón por la que mi buen amigo Castleotto (aka Dedostorpes), me ha ofrecido la oportunidad de aportar mi humilde (pero verdadero) punto de vista sobre el panorama musical.

Pero este último párrafo merece una puntualización; yo no sé nada de música. No sé nada de actualidad musical, no sé nada de casi nada. Pero de las pocas cosas que sé es de compartir sentimientos, experiencias y sensaciones…y si eso lo llevamos al plano de las artes (música, literatura, cine, videojuegos, pintura…) me veo capaz de escribir para compartir mi punto de vista y vivencias sobre distintos artistas o estilos.

Así que de eso se trata.
De compartir.

Gracias a Dedostorpes y gracias a los que van a leer esto.
Fer Chinaski


ENTRAMOS EN FAENA

Y he estado pensando estos días en cómo comenzar mi participación en este ilustre blog. Y tenía muy en mente el concepto “debut”, y buscaba inspiración en Internet, en mi colección de discos y en el interior de mi cabezota, cuando lo tenía justo delante, en mi mesa de trabajo.
Me refiero a que tenía delante de mí un debut mayúsculo, fuerte, que emana trabajo, cariño y saber hacer. Un debut que ya quisieran muchos artistas ya consagrados. Un debut que me lleva enganchado desde que me hice con él hace unas semanas.
Se trata del trabajo de la banda gaditana Bourbon, y que han llamado “Fango”. Es cierto que los de Sanlúcar de Barrameda ya habían editado un EP en 2010 ("¿Dónde te escondes, hermano?"), con el que se empezaron a patear los escenarios donde buenamente les dejaban tocar, pero éste “Fango” ya son palabras mayores.



Con una producción soberbia, el cuarteto ha logrado encerrar en el CD mucho del poder que tienen como banda, aunque no me cabe la menor duda de que el directo será su fuerte. Porque esa cosas se notan. Se nota cuando se trata de un grupo currado y solvente o cuando se trata de un artefacto amorfo ideado para hacer algunas grabaciones. Y Bourbon pertenece a la primera clase de banda.

¿Qué encontramos aquí? Aquí hay mucho Rock And Roll, eso por descontado. Pero puestos a desmenuzar un poco el CD, decirles que arranca con una intro de igual nombre que el disco, para pasar rápidamente con “La Charca Del Diablo”, que pasa por ser el primer single, y que si se dignan a escuchar en el enlace a YouTube que les propongo a continuación, se podrán hacer una buena idea de a qué suena Bourbon.

“Johnny Ha Vuelto Al Barrio” tiene algo de Los Enemigos. Así lo veo yo. Y creo que no harían ascos a esa comparación. Porque está claro que el disco tiene mucho Hard Rock 70´s (todas esas potentes bandas “underground” de la época), pero también de los madrileños, de Allman Brothers, de UFO, de Corrosion Of Conformity o de los grandisioso Thin Lizzy. Tampoco me extraña verlos en algún vídeo con camisetas de Pentagram…en definitiva: se nota que han escuchado mucha y muy variada música.

Por destacar un par de temas más: “Solo” es la pieza más bluesy del álbum, y el estar ahí en medio del disco me parece todo un acierto (los que pertenecemos a la era del vinilo sabemos lo importante que era colocar adecuadamente el orden de los temas). Muy buenas guitarras y una demostración vocal de Raúl Guerrero realmente encomiable.

“El Inquilino” me encanta. Me gusta mucho la letra (en general se nota que las letras están muy trabajadas, que todo encaja perfectamente y nos dicen cosas. Muy buen trabajo a este nivel también), y pasa por ser de los temas que más me han gustado desde la primera escucha.

Para hablar de la base rítmica de la banda, creo que lo ideal es ponerse “El Rey”. Todo el disco disfruta de unos bajos y unas baterías inmejorables. Intensos, fuertes, demoledores…y hermosos. Estoy seguro que cuando estaban grabando el disco ellos mismo sabían que estaban haciendo algo grande. Porque suena a los clásicos, pero con un aire totalmente actual.

“El Día De La Redención” es otro temazo…y no voy a desgranarlo más. Es una obra que tiene que escucharse entera, sin compasión. Un tema tras otro…¿saben lo que pienso? Pienso que en este desastre de país hay mucho talento. Pero mucho. En la música, en la comunidad científica, en la tecnología, en la enfermería, entre el profesorado…en casi todas las disciplinas menos en la política, donde lo que más tenemos es canallas y desgraciados. Es una pena que nos estén condenando a salir del país o a trabajar por una miseria. Si hubiera justicia, éstos talentosos músicos tendrían que poder vivir de su trabajo porque es mayúsculo.

En definitiva; éste es el tipo de debut que yo hubiera soñado. Hecho con el alma.

Mucha suerte a Bourbon.

Nos leemos la semana que viene.

PD: “Fango” se puede adquirir en los grandes almacenes habituales o directamente a través del Facebook de la banda.

Public Enemy!!!

Un buen amigo me recordaba ayer el poder reivindicativo de los Public Enemy, la banda hiphopera por excelencia.

Qué buenos aquellos tiempos en los que el rap no era un rollo machista y gallito de ver quién tiene más tías, más coches y más oro en las orejas.

Los Public Enemy, junto algunas pocas bandas más, fueron en los 80´s el estandarte de un movimiento revolucionario, que luego fue absorbido, en gran medida, por la industria para canalizarlo y devolvernos un producto insulso y, a veces, ofensivo.

Pero eso no pudo con Chuck D y Flavor Flav.

Ellos eran y son grandes. Siempre fieles a su filosofía. Aún recuerdo con entusiasmo el concierto (con lluvia de esa que se agradece) que dieron en aquel lejano Festimad, haciendo una jam con Chris Cornell (Soundgarden, Audioslave) y Tom Morello (Rage Againts The Machine, Audioslave) en el que casi pierdo la razón entre tanto despilfarro de talento y energía. De verdad que fue algo mágico e inolvidable.

Un pequeño homenaje a estos grandes entre los grandes!!!!
Larga vida a Public Enemy!!!!  
Fight The Power!!!!